大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于人物头像简笔画仰头男的问题，于是小编就整理了3个相关介绍人物头像简笔画仰头男的解答，让我们一起看看吧。
梅花鼠足点的特点？
初春树皆枝节萌生，及秋尽叶脱，有如骨节直露，皆用此法。
迎风取势画法
李唐每用此于孤石危峰。
云林多画之
根下衬贴小树法
树中衬贴疏柳法33式
点叶法：
点叶、勾叶，不复分明某家用某点，某树用某圈者，以前后各树中俱载有古人点法。点法虽不同，然随笔所至，于无意中相似者亦复不少，当神而明之，不可死守成法。
介字点。 个字点。 菊花点。胡椒点。梅花点。垂藤点。小混点。鼠足点。 松叶点。水藻点。大混点。 尖头点。 柏叶点。 藻丝点。 梧桐点。 椿叶点。 攒三点。垂头点。平头点。 攒三聚五点。 聚散椿叶点。 仰头点。刺松点。个字间双勾点。破笔点。 杉叶点。 仰叶点。 垂叶点。 密竹。 垂藤点。 水草。疏竹。新篁。
中国画讲程式，但不必过于程式化，对此你怎么看？
这个问题我觉得应该“一分为二”地来谈。
一、如果你的中国画功底不是很深厚，那么，你不按照“程式化”的路子走，你的中国画水平就不可能有所提高。
中国画从东晋顾恺之开始到今天，经过近两千年历代画家们的不断发展，已经形成了一套具有严格“程式化”标准的法则。比如：画女人的衣服时，使用“高古游丝描”或者“春蝉吐丝描”等等；画南方的山水，用“披麻皴”或者“米点皴”；画北方的山水用“斧劈皴”或者“折带皴”等等。再比如：工笔画讲究工整细致、毫发入微等等；而水墨画讲究：笔墨淋漓、墨分“五彩”等等。
这些“程式化”的标准，对于初学或者初中级水平的中国画爱好者来说，是必须要深入学习的。比如：你画人物画，就要先把“十八描”学好，你画山水画，就要先去学习二十多种皴法，去练习《芥子园画谱》；你画花鸟画，就要把梅、兰、竹、菊的基本功先练扎实等等。如果没有这些“程式化”的基本功训练，自己去瞎琢磨，就好比“盲人摸象”——乱撞，甚至会闹出笑话。
二、如果你的中国画水平达到了一定的高度，那么，你就不能躺在老祖宗的“程式化”上面睡大觉，必须从“程式化”中走开，去寻求突破和创新。
西方绘画，经过几百年的发展以后，许多人开始从古典绘画中寻求突破，才出现了以后的“印象派”、“立体派”、“野兽派”。到了十九世纪末二十世纪初，更是出现了诸如：抽象主义画派、构成主义、超现实主义者、表现主义、未来主义、达达派、波普艺术和行为艺术等等多种画派。
中国画家们也不甘寂寞，刘海粟、徐悲鸿、李可染、陆俨少等画家们，一改中国画的“程式化”，即人物画的“线描”和山水画的“皴法”，用西洋画的素描（“黑白灰”）代替了传统的皴法，将透视法则（成角***、平行***和空气***），弥补了中国画只有“散点***”的不足，并运用到中国画的创作之中，为中国画的“现代化”作出了巨大的贡献。今天，仍然有许多中国画家，甚至中国画爱好者，也在创新的道路上不断地进行探索。
因此，如果你是一个有造诣的中国画家，或者爱好者，希望你能在中国画的改变和创新上多动脑筋，为中国画的明天再创辉煌！
就写这么多了，一家之言，水平有限。请高人指正。谢谢你辛苦地阅读。
（文中图片来自网络）
首先，第一个程式是指规范。步骤清晰，总不能油画布，铅笔去画国画。
第二，程式指固定的技法，例如“双钩”“没骨”“皴”等等，都是因循前人传统，恪守法则，写意与意境等等都是绘画的基础与根基。
最后，不必过于程式化的意思是，你要站在传统的基础上，不断推陈出新，拥有自己的创意。
历代优秀的绘画者，无论中西，都是继承和发扬前人，并开拓自己新派别，新风尚，独树一帜的人。中国画也不例外。如果没有前人一点点突破和尝试进取，就不会有异彩纷呈，万千“各领***数百年”的作品留存下来，让我们欣赏更多别致的精彩了。
就像张大千***的作品，晚年后期也是参悟了西方油画的技法，最终创新出泼彩新技法。
最后套用龚自珍的诗:
“我劝天公重抖擞，不拘一格降人材”。
愿“别具一格”，继续成为中国画迈向更加百花齐放，万象争春之美的又一程山水。
对于这个问题所呈现的观点，其实是多角度的阐述中国画的深层内蕴。我们知道，中国画中的程式语言是历代作画者在对生活长期实践积累、提炼的基础上创造出的艺术语言。它是中国绘画成熟的标志，也是中国画发展到一定高度的笔墨表达和艺术符号的标志。
程式化，是指某种形式在长期的使用过程中形成的固有模式。例如，戏曲表演讲究唱、念、做、打，这是戏曲的基本训练，其中每一项都有承袭已久的固有表演程式，且是具有规范性的。
中国画也是如此，前人归纳其中的章法、分类，然后加以名称，以示后人学习的典范。如关于线描总结的“十八描”；笔法中勾、勒、皴、擦、染、点；用笔法分中锋用笔、侧锋用笔、顺锋用笔、逆锋用笔等；皴法有斧劈皴、卷云皴、解索皴、披麻皴等等。程式化的绘画创作，基本方法就是将各种固定物象部件***用历代总结的程式化的技法手段组合、排列，给予生动的视觉呈现。
中国绘画艺术受到老庄思想的影响而贯穿于中国画的始终，注重感性、意象。所以，中国人对客观事物的观望最终是要回归自身主观的内心世界的，这个内心主观构建的家园更加高尚与真实。从古至今，中国画的程式演变就是具有个人特色又最富内在情感的语言所推进的，如“马一角”、“夏半边”的构图方式，如徐渭的泼墨写意，如齐白石的用墨设色。
还有，山水画中的“皴法”。它忽略事物存在的体积感和质感，将之抽象为单纯的面，即线的组合。作画者需要不断整合、调整表达他所感到的世界，创造最能传递他的主观本真心意的个性化的程式表达。因而，中国画的程式是非常重要的，其包含了中国画传统的笔墨规律。
“没有规矩不成方圆”，既然是成体系的知识就必然有法度。那些天天喊着变法的、创新的都没搞清楚一门艺术的“法度”是什么，是建立在什么基础之上的变。
“程式”肯定要有，没有驾驭基础技法的能力等于“意淫”。今天的变都变了什么？是“无笔墨”的描与染还是“杂交”过的素描水墨？有法度的，讲程式化的临习前人，“迂腐”也好“泥古”也罢，但都在传承前人。今天的传承靠谁，传承什么？就靠学院里的帮派的“艺术”？还是那些笔墨基本功都没有的“伪***”？
毕加索的画作中，你最喜欢的是哪幅作品。从中你又得到了什么创作灵感？
毕加索的画喜欢的很多，不是哪一幅的问题了。喜欢毕加索这个人在于他存在的价值和活着艺术家的骄傲，思考艺术在当今的生存价值和生活价值。一种艺术形式活着就能被人们接受，给人类历史带来了巨大的价值。这是画家活着存在的价值和意义。人类的生存之道生活之道活着的价值在哪里去体现，毕加索是一个完美的人生。我的观念不是喜欢哪一幅画那么简单。思考的是人活着的意义所存在的价值。人类不同时期有不同生存法则，毕加索把个人的艺术生涯规划的如此精彩使每一时期都是朝阳的。红色是红色时期的范儿，蓝色是蓝色时期的范儿。立体派又是不同的经营路子。艺术能玩到如此境界，如此格局是后人们值得学习和借鉴的法宝。其实，人生就是这样你的人生观价值观你的人生规划人生使命是什么？事业有多大做多久干到什么程度，怎样实现人生价值回报社会。。。思考。。。思考。。。
以前曾经说过，本人最为喜欢与欣赏是毕加索的《格尔尼卡》。此画***用了半写实的象征性手法和单纯的黑、白、灰三色营造出低沉悲凉的氛围，渲染了悲剧性调子，表现了***战争带给人类的灾难。
此画让我学会了思考，画画到底为什么而画？波澜壮阔的抗日战争期间，***们为什么没有创作抗日题材呢？血性与***出哪儿了？
因此，本人从骨了里服毕加索而不服那个年代的中国***们，这些人渺小的很！
这些***们所欠下的创作债，后辈们在替这些***们还着。全国的历史博物馆与军事博物馆至今还在补充着当年的抗战题材，只是那份血性与忿怒的***还存在吗……
“艺术就是谎言”，这是20世纪西方天才艺术家毕加索所说的话，这话在艺术界中，算是大言不惭了，有人会认为毕加索所说的这句话就是在打艺术家的脸，不管意思是否正确，至少有那么一点道理，艺术本来就是“虚幻”的，问题来了：毕加索的画作中，你最喜欢的是哪幅作品，从中又得到了什么创作灵感?
毕加索的画作，以及延伸的创作灵感
毕加索的画作有很多，都是属于立体主义风格，我个人最喜欢的是他的那幅《阿维尼翁少女》，这是毕加索在1907年时创作的，整幅画描绘的是一个妓院的情景，然而刚开始人们对毕加索的这幅画并不看好，
因为画作中的人物被极度扭曲，而且几乎完全是扁平的，也就是没有空间立体感的意思，可恰恰就这一幅画成为了立体主义绘画的最初楷模，我们可以理解《阿维尼翁少女》是毕加索的成名作，关于这幅画存在很多种解释，但可以确定一点就是这幅画完全打破了传统风格，
从毕加索的画作中，可以或多或少领悟到创作和人的性情有关，这就是一种艺术灵感，只要你想随心所欲地创作，就可以完全抛弃传统的画法，依然可以控制所画的物体，很简单，把要画的物体先分解，然后用自己的感觉歪曲物象，再用不同的方式将物体拼凑起来，这就是立体主义风格，
或许有人会说，毕加索的立体主义怎么这么简单啊？那你以为有多复杂呢，要不然，毕加索干嘛要说艺术就是谎言，这就是最好的解释，只要你可以像小孩子那样做到随心所欲，你就是一个艺术家，值得注意的是，毕加索是接受过正规绘画训练的，这使得他的绘画技法很纯熟，所以才可以控制物象，换句话说，艺术创作并非毫无章法的天马行空。
（图：毕加索《阿维尼翁少女》）
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